Jan Gerdes, piano

JAN GERDES

PIANO

17 octubre 2015 ǀ 20.00 h

Auditori Rafelbunyol ǀ comunitat valenciana 19

46138 Rafelbunyol, Valencia

El pianista Jan Gerdes es uno de los músicos más interesantes y versátiles de su generación. Como pianista entre la tradición y la vanguardia es un maestro del repertorio clásico-romántico y contemporáneo. Jan Gerdes estudió piano en las escuelas superiores de música en Hannover y Detmold con Kurt Bauer, Barett Nerine y Renate Kretschmar-Fischer, y tomó clases magistrales con reconocidos pianistas como Anatol Ugorski, Halina Czerny-Stefańska y Edith Picht-Axenfeld. Conciertos de todo el mundo han llevado a este músico galardonado a países de Europa, Sudamérica y el Lejano Oriente. Ha realizado actuaciones como artista invitado en el Festival de Música de Schleswig-Holstein, Maerzmusk Berlín, la Semana de Rotterdam Gaudeamus, los Cursos Stockhausen, el Centre Acanthes en Metz, Kunstfest de Weimar, el Festival Beethoven de Bonn, el Musikfest WDR, el Curso de Verano de Darmstadt y otros lugares. Se ha presentado también en salas de concierto como el Konzerthaus de Berlín, la Kölner Philharmonie, el Konzerthaus de Viena, la Alte Oper de Frankfurt y la Filarmónica de Berlín.

Ha realizado grabaciones de televisión, radio y CD para NDR, WDR, MDR, HR, RB, ORF, Radio Alemana Berlín y el sello Ambitus. Su disco en solitario “Gelände / Zeichnung” de música para piano fue realizado en 2008 a través del sello Zeitklang.

Jan Gerdes ha trabajado con varios de los principales compositores contemporáneos, como Karlheinz Stockhausen, Wolfgang Rihm y Peter Ruzicka.

Un viajero entre los mundos de la música clásica y la nueva música, la electrónica y la performance. En 2004 fundó el dúo `EROL`, que explora la relación entre la música para piano, la cultura electrónica club, la composición y la improvisación. Desde 2011, continúa trabajando intensamente en su proyecto electro-acústico `KAUM` con la artista sonora argentina-española Silvina Avila.

Jan Gerdes actualmente reside en Berlín y es profesor de piano en la Universidad de Potsdam.

www.jan-gerdes.de

PROGRAMA DE CONCIERTO

Mateu Malondra Flaquer (ES,* 1977)                                  Pulse Interpolation I for piano (2014)

Sidney Corbett (D,*1960)                                                              Grabmal Kundry for piano (2013)

Octavi Rumbau (ES*1980)                                      Klaviere for piano and live- electronics (2015)

Luigi Nono ( I, 1924- 1990)                               sofferte onde serene for piano and tape(1975/76)

Raquel Garcia- Tomas( ES, *1984)                                            Tangible for piano and tape (2012)

Karl –Heinz Stockhausen(D, 1928- 2007)                                                        Klavierstück V(1954)

NOTAS AL PROGRAMA

Pulse Interpolation I for piano (2014), Mateu Malondra Flaquer (*1977 Spain)

Commissioned by Jan Gerdes.

Pulse Interpolation se compuso como resultado de mi interés para investigar los elementos que intervienen en la previsibilidad y la imprevisibilidad. La pieza se ha desarrollado en torno al concepto de análisis numérico de interpolación. El método de interpolación es una manera de construir nuevos puntos de datos dentro de un conjunto de datos conocidos.

Esta idea se introduce en el primer movimiento en la interpolación de pulso y la relación de este pulso con un tempo sin modificar. Durante este movimiento, el concepto de los pulsos interpolados se expande a los materiales melódicos y armónicos.

Mateu Malondra Flaquer, nace en Palma de Mallorca, en 1977.

Cursa estudios superiores en composición con Robert HP Platz en el Conservatorio de Maastricht, licenciándose en 2008 y finalizando en 2010 el Master in Music Composición, con la máxima distinción. Ha realizado estudios de música electroacústica en Centre Henri Pousseur-Liège con Patrick Delges y Jean- Marc Sullon. También ha cursado estudios superiores de guitar clásica en el Real Conservatorio de La Haya. Como complemento a sus estudios académicos ha realizado clases magistrales con Daniel D’Adamo, Richard Barrett, Brian Ferneyhough, Beat Furrer y Wolfgang Rihm. Actualmente cursa estudios de doctorado en Kingston University-Londres bajo la tutela de Paul Archbold. Ha tenido la oportunidad de trabajar con Arditti String Quartet, Bcn216, Ensemble dissonArt, Insomnio, Ensemble Exposé, Mdi Ensemble, Vertixe Sonora, Plural Ensemble, Riot Ensemble, Takao Hyakutome, UMS’nJIP, Jan Gerdes, Tomeu Moll y con directores tales como Gerry Cornelius, Beat Furrer, Yasuaki Itakura, Taco Kooistra, Fabián Panisello, Robert HP Platz, Ulrich Pöhl, Roger Redgate, Sánchez Verdú y Michel Tabachnik. Sus obras han sido programadas en foros tales como Cairo Contemporary Music Days, Dark Music Days, Donaueschinger Musiktage-Next Generation, Forum Wallis, Gaudeamus Muziekweek, IDAF Festival-London, IMD-47-Internationale Ferienkurse für neuen Musik-Open Space, Mixtur, Mostra Sonora de Sueca, Musica Sacra Maastrciht, Musikprotokoll, Musik21, Nact der neuen Musik-Düsseldorf, Perspectivas XXI, Síntese, SIRGA y Unerhörte Musik.

Su obra se publica en BabelScores®-Paris.

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Tangible for piano and tape ( 2012), RAQUEL GARCÍA-TOMÁS (* 1984 Spain)

Tangible hace referencia a la relación entre un pianista y un material aparentemente efímero, que surge desde el corazón del instrumento y crece hasta convertirse en un substancia corpórea. El intérprete interactúa con el sonido ascendente permitiendo que florezca y contribuyendo a su desarrollo a través de la interacción y la diálogo. Mientras que el pianista provoca reacciones en la electrónica, la electrónica inicia una relación simbiótica con el intérprete. En otras palabras, aporta nuevas ideas musicales que el pianista recoge y desarrolla. Juntos crean una atmósfera atractiva en la que el sonido de piano se fusiona con la electrónica para lograr una comunión inseparable.

Raquel García-Tomás es una compositora especializada en creación multidisciplinar y colaborativa que actualmente realiza una investigación doctoral en el Royal College of Music de Londres, becada per the Major Van Someren Godfrey Memorial Award.

Sus últimos proyectos incluyen creaciones conjuntas con el English National Ballet, la Royal British Society of Sculptors, la Royal Academy of Arts y el Dresdener Musikfestspiele. Este último año, ha estrenado en Nagoya, dentro de la temporada de conciertos del ensemble Musica QuLacoza y en el festival Cairo Music Days 2015.

A lo largo de su carrera, su música ha sido estrenada en el Palau de la Música Catalana, la Fundació Tàpies, el Teatre Lliure, el CCCB de Barcelona, el festival MIXTUR, el museo de arte contemporáneo Es Baluard de Palma de Mallorca, el Auditorio de Zaragoza, La Casa Encendida, el Auditorio 440 – Museo Reina Sofía y L’Auditori de Barcelona (Els concerts de l’Acadèmia, Premis Tutto, JIC, 6è Festival de Percussió de Catalunya y Festival Japó). A nivel internacional, sus obras se han interpretado en Orléans, Lyon, Basilea, Stuttgart, Dresde, Berlín, Karlsruhe, Edimburgo y especialmente en Londres (St. Martin in the Fields, Amaryllis Fleming Concert Hall, National Portrait Gallery, Royal British Society of Sculptors, Royal Academy of Arts y The Place).

Raquel ha recibido encargos i trabajado con ensembles tales como Experimental Funktion, CrossingLines Ensemble, BCN216, PluralEnsemble, Barcelona Reed Quintet, Taller Sonoro, Taller Atlántico Contemporáneo i Variable Geometry Ensemble entre otros.

Dentro del marco de creación operística, Raquel estrenará disPLACE – Història d’una casa en el festival vienés Musiktheatertage 2015. También ha trabajado en DIDO Reloaded, producida por Òpera de Butxaca i Nova Creació y ha sido galardonada, gracias al proyecto go, ÆNEAS, go!, con el Berliner Opernpreis’14 de la Neuköllner Oper de Berlín.

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`Klaviere`   for piano and live- electronics ( 2015), Octavi Rumbau (*1980 Spain)

¡Si hay una cosa que la tecnología hace posible, es la de transportar la imaginación del compositor a mundos sonoros desconocidos! Hace cincuenta años Stockhausen ya había anticipado la posibilidad de interacción en vivo con la electrónica: una anticipación visionaria que se convertiría años más tarde en la aparición del repertorio mixto para instrumento solista y electrónica.

En el caso de Klaviere, me he centrado en explorar la división clásica de sonido por medio de una re-lectura del instrumento. Específicamente, construyo un universo en el que la ambigüedad entre lo real y lo irreal se impone. Desde el piano acústico, cuatro pianos más emergen para dialogar con el primero, creando una red de contrapunto sobre la que el pianista navega, viajando entre la rigurosidad de la partitura y la libertad de la interacción en sí misma.

Octavi Rumbau,

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Klavierstück V (1954), Karl- Heinz Stockhausen(1928- 2007)) Germany

Klavierstück V fue originalmente un estudio centrado en los grupos ostentosamente espaciados de notas de adorno en torno a “largos tonos centrales”. Stockhausen revisó y amplió drásticamente esta primera versión, llevando las notas de adorno a los registros menos extremos, a continuación utilizó el resultado como un fondo para un nuevo conjunto de figuraciones superpuestas basadas en series muy relacionadas con el material original. Esta versión final se estrenó en Darmstadt por Marcelle Mercenier, junto con la Klavierstücke I-IV, el 21 de agosto 1954. La pieza se articula en seis secciones, cada una en un tempo diferente, con ritmos más rápidos en el medio y más lentos al final. Cada sección se compone de varios grupos, de gran variedad y singularidad, que van desde una sola nota, corta cerca del final de la sexta sección a un grupo de cuarenta y siete notas en la tercera sección. En el contexto de esta pieza, un “grupo” es una nota central sostenida con notas de adorno antes, con / alrededor, o después de ella. Estas tres posibilidades se duplican a seis por el uso o no uso del pedal. Stockhausen describe el carácter particular de los grupos en Klavierstück V:

una altura central a veces será atacada con un rápido grupo de pequeños satélites a su alrededor, utilizando el pedal sostenuto como una coloración de esa altura central, como si fueran lunas alrededor de planetas y planetas alrededor de un sol. Unos tintes de color específicos alrededor de una “cabeza” o núcleo de una estructura sólida, por medio de los intervalos de las notas que suenan a la vez.

Karlheinz Stockhausen (1928-2007) compuso 376 obras durante su vida. De 1977 a 2003 compuso el ciclo de óperas LICHT (LUZ), Los siete días de la semana, que comprende cerca de 29 horas de música. Las siete partes de esta obra músico-teatral han tenido sus estrenos mundiales por etapas: jueves (Jueves) en 1981, SAMSTAG (Sábado) en 1984, y Montag (Lunes) en 1988, los tres producida por el Teatro alla Scala de Milán ; Dienstag (Martes) en 1993 y FREITAG (Viernes) en 1996, tanto en la Ópera de Leipzig, SONNTAG (Domingo) en 2011, en la Ópera de Colonia. Con Mittwoch (Miércoles), el Birmingham Opera Company presentó el último día de la heptalogía LICHT en Miércoles, 22 de agosto 2012.
Después de LICHT, Stockhausen pretende componer las horas del día, el minuto y el segundo. Comenzó el ciclo KLANG (SOUND), Las 24 horas del día, y hasta su muerte en diciembre de 2007, compuso desde la primera hora Himmelfahrt (Ascensión) hasta la hora PARADIES 21 (Paraíso).
Karlheinz Stockhausen comenzó a componer en la década de 1950. Ya las primeras composiciones de “música puntillista” como Kreuzspiel en 1951, SPIEL para orquesta en 1952, y KONTRA-PUNKTE en 1952-1953, le dieron fama internacional. Logros fundamentales de la música desde 1950 se imprimen de forma indeleble a través de sus composiciones: La “Música serial”, el “Música puntillista”, la “música electrónica”, la “Nueva música de la percusión”, el “Music Variable”, el “Piano de Música Nueva” , la “música del espacio”, “Música de Estadística”, “música aleatoria”, “Música Electrónica en vivo”; nuevas síntesis de “Música y Voz”, de un “teatro musical”, de un “Ritual Music”, “Scenic Música”; la “Composición de grupo”, polifónica “Composición Proceso”, “Composición Momento”, “Composición Fórmula” para “Composición Multi-Fórmula”; la integración de los “objetos encontrados” (himnos nacionales, el folklore de todos los países, los eventos de onda corta, “escenas” de sonido, etc.) en una “música del mundo” y un “Universal Music”; la síntesis de la música americana y asiática América europeos, africanos, en un “Telemusic”; la vertical “Música octofonica “.
Toda la obra de Stockhausen se puede clasificar como “Música Espiritual”; esto se hace más y más evidente no sólo en las composiciones con textos espirituales, sino también en las otras obras de “Musica espectral”, “Musica intuitiva”, “Música Mántrica”, llegando a “Cosmic Music” como STIMMUNG (tuning), AUS DEN SIEBEN TAGEN (DE LOS SIETE DÍAS), mantra, STERNKLANG (STAR ​​SOUND), IEP, Atmen GIBT das Leben (respiración DA VIDA), SIRIUS, LICHT (LUZ), KLANG (SOUND).
En casi todos los estrenos mundiales y en innumerables actuaciones ejemplares y grabaciones de sus obras en todo el mundo, Stockhausen o bien las realizó personalmente, o bien dirigió la actuación como proyeccionista de sonido.
En un auditorio esférico concebido por Stockhausen, la mayoría de sus obras compuestas hasta 1970 se llevaron a cabo en la feria Expo ’70 mundial en Osaka, Japón,  5½ horas al día durante 183 días con la intervención de veinte instrumentistas y cantantes, allí alcanzó una audiencia de más de un millón de oyentes.
Además de conseguir numerosas cátedras en Suiza, Estados Unidos, Finlandia, Holanda y Dinamarca, Stockhausen fue nombrado Profesor de Composición en la Hochschule für Musik de Colonia en 1971. En 1996 se le concedió un doctorado honorario de la Freie Unversität Berlín, y en 2004 recibió un doctorado honorario de la Universidad de la Reina en Belfast. Es miembro de 12 Academias internacionales de las Artes y las Ciencias, fue nombrado Ciudadano Honorario de Kuerten en 1988, se convirtió en Commandeur dans l’Orden de las Artes y las Letras, recibió numerosos “gramophone prizes”  y, entre otras distinciones, la Medalla al Mérito Federal , primera clase, el Premio de Música de Siemens, la Medalla Picasso de la UNESCO, la Orden del Mérito del Estado de Renania del Norte Westfalia, muchos premios de la Sociedad de la Editorial de Música Alemana para sus publicaciones de puntuación, el Premio BACH Hamburgo, el Premio Cultura de Colonia y, el Premio de Música Polar con el elogio: “Karlheinz Stockhausen está siendo galardonado con el Premio de Música Polar para el año 2001 para una carrera como compositor que se ha caracterizado por la integridad impecable y la creatividad incesante, y por haber mantenido a la vanguardia del desarrollo musical durante cincuenta años.

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Grabmal Kundry (Kundry’s tombstone) (in memoriam Hans Werner Henze) 2013, Sidney Corbett (*1960) USA/Germany

A principios de 2012, mi amigo el pianista Severin von Eckhardstein me preguntó si yo era wagneriano, a lo que tuve que responder que no, aunque admiro parte de su música, sobre todo Parsifal. Luego me preguntó si me gustaría contribuir con una pieza para su proyecto Wagner. Después de pensarlo bien decidí aceptar y comencé a trabajar en la pieza. Como punto de partida Elegí la figura de Kundry y su muerte del tercer acto de Parsifal. Kundry está presente en todo el tercer acto, pero sólo canta, cerca del comienzo del acto, las líneas, “dienen, dienen”, o “el servicio, el servicio”. Elegí como material musical las armonías de la apertura del acto, así como los intervalos de la frase “dienen”. Cuando estaba trabajando en la pieza, recibí la noticia de la muerte del compositor Hans Werner Henze, que por su ocupación central con formas operísticas y sus sentimientos románticos arraigados también puede ser visto como un descendiente musical de Wagner. Reflexiones sobre Henze por tanto, también encontraron su camino en mi pieza.

Sidney Corbett nació en Chicago en 1960, estudió música y filosofía en la Universidad de California en San Diego, y continuó sus estudios de composición en la Universidad de Yale, donde obtuvo su doctorado en 1989, y en la Academia de Hamburgo de las Artes con György Ligeti. La actividad de Corbett se ha desarrollado principalmente en Europa desde 1985. Su producción incluye obras para la escena, composiciones orquestales, música instrumental de cámara y una gran cantidad de música vocal. Sus trabajos han recibido numerosos premios nacionales e internacionales y se han interpretado y transmitido en todo el mundo.

Su obra reciente ha tenido un énfasis especial en el área de teatro musical. Su ópera de cámara, “X UND Y”, que se estrenó en el Festival Eclat en Stuttgart en febrero de 2002, la obra escénica “Paradiso”, después de Dante, para el altavoz y cuarteto de cuerda, que también se estrenó en 2002, en Basilea, la gran ópera escala, Noaj, después de un libreto original de Christoph Hein, que se desarrolló con mucho éxito en la temporada 2001/2002 en la Ópera de Bremen y su tercera ópera, KEINE STILLE AUSSER DER DES WINDES (ningún silencio, pero la del viento), después de los textos por Fernando Pessoa, que se estrenó en el Teatro Bremen Concordia en enero de 2007, son ejemplos de este enfoque reciente. La ópera UBU, después de Alfred Jarry con libreto de Simone Inicio de Mello se estrenó en el teatro de la ópera en Gelsenkirchen en abril de 2012. Su más reciente ópera, “Das Große Heft”, después de la novela de Agosta Kristof, se estrenó en la Ópera en Osnabrück Marzo 2013.

Cabe destacar su trabajo en la música vocal. Ciclos sobre poemas de Christina Lavant, Barbara Köhler, Paul Klee y otros han surgido en los últimos años. Temas literarios y teosóficos también inspiran sus obras. “Yael “, para violín solo y orquesta, drSid-bio1aws sobre los escritos de Edmond Jabès y su Sinfonía nº 3,” Breathing the Water “, encargada por la Staatskapelle de Berlín cuenta con textos del poeta iraquí Amal Al-Jubouri y poeta estadounidense fallecido Denise Levertov. “Rasch”, encargado por la Tonhalle de Düsseldorf emplea textos de Roland Barthes. Corbett también ha recibido encargos de la Orquesta Filarmónica de Berlín, MusikFabrik, Radio Alemana Occidental y Radio Orquesta Sinfónica de Stuttgart entre muchos otros. Actualmente está trabajando en una nueva ópera para el Teatro de Magdeburgo que se estrenará en marzo de 2016.

Sidney Corbett es el guitarrista de la banda “Vierte Heimat” y también participa en una serie de grupos de improvisación, por ejemplo, el grupo “dernière letzte”. CDs con música de Corbett han sido publicados por Cybele, CRI, Modo, Zeitklang, Ambitus, BPI y Kreuzberg Records. En 2011 un CD con su música para violín fue lanzado por Blue Griffin records, interpretadas por Sarah Plum. Un nuevo CD con música de cámara, interpretadas por Berlin Modern Art Ensemble fue lanzado recientemente por Edition Kopernikus. La música de Corbett espublicada por Edition Nova Vita, Berlin,, y se distribuye en todo el mundo a través de C.F Peters. Sidney Corbett Actualmente es profesor de composición en la Universidad de las Artes Escénicas en Mannheim.

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…sofferte onde serene… for piano and tape, Luigi Nono (1924-1990) Italy

La composición “… sofferte onde serena …” (“… sufrida ola serena …”) fue escrita con motivo de las muertes, tanto en la familia de Nono como en la de su amigo el pianista Maurizio Pollini, para quien esta pieza y otras fueron compuestas originalmente. Los sonidos de piano grabados, reproducidos debajo del piano y con el pedal sostenuto siempre hacia abajo, resuenan como los sonidos de campanas resonando sobre la laguna y el mar cerca de la casa de Nono. El interior del piano se toca con cuerdas silenciadas a mano y la utilización de los otros pedales para (re) crear timbres-ambiente. La impresión general de la pieza es que la vida sigue, y uno permanece necesariamente en el “equilibrio del profundo interior” (Kafka).

Luigi Nono (1924 – 1990) fue un compositor italiano de vanguardia y uno de los compositores más importantes del siglo 20.

Nació en Venecia, era miembro de una familia artística rica, y su abuelo fue un pintor notable. Nono comenzó lecciones de música con Gian Francesco Malipiero en 1941 en el Conservatorio de Venecia, donde adquirió conocimientos de la tradición madrigal renacentista, entre otros estilos. Después de graduarse con una licenciatura en Derecho por la Universidad de Padua, conoció a  Bruno Maderna. A través de Maderna, conoció a Hermann Scherchen, entonces profesor de dirección de Maderna, el cual fue mentor y defensor de su música.

Fue Scherchen quien presentó el primer trabajo reconocido de Nono, las “Variazioni canoniche” sulla serie dell’op. 41 di A. Schönberg en 1950, en la Internationale Ferienkurse für Neue Musik Darmstadt-un centro para el redescubrimiento de la música moderna después de la devastación de la dictadura y la guerra. Las “Variazioni canoniche” , basada en la serie dodecafónica de Arnold Schoenberg Op 41. Nono fue un compositor comprometido de orientación política antifascista (Annibaldi 1980). Nono había sido miembro de la Resistencia italiana durante la Segunda Guerra Mundial (Schoenberg-Nono, 2008). Nono mantuvo el compromiso político al mismo tiempo que se reunía con algunos de sus contemporáneos en Darmstadt,  como Henri Pousseur y en los primeros días de Hans Werner Henze. Sin embargo, fue con Boulez y Stockhausen junto con quien Nono se convirtió en uno de los líderes de la Nueva Música durante la década de 1950.